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La recitazione di tutta la compagnia è di stampo moderno, quella effettuata da Luca Ferrini, che qui oltre a curare la regia, recita il ruolo di Spanò, è un'operazione buona, portare Pirandello in un teatro dove notoriamente ci sono commedie, e l'idea di attualizzarlo senza toccarne le parole, ma togliendo gli orpelli dei vestiti primo novecento e di una scenografia che avesse riprodotto un salotto siciliano dell'epoca, ha alleggerito, facendo rimanere intatta la sostanza.
Chi conosce Marco Cavallaro non rimarrà assolutamente deluso da questa nuova proposta, chi non lo conosce avrà modo di apprezzarlo insieme al suo cast e sicuramente vorrà seguirlo in futuro.
Gradevolissima e scorrevole la trama, coronata da qualche piccolo colpo di scena. Perfettamente curata la scenografia che riesce a riprodurre i due ambienti (casa ed esterno) nei quali si dipana la vicenda, senza la necessità di cambiare ambientazione o spostare arredi.
Gli attori sono molto affiatati tra loro e riescono a gestire perfettamente i serrati discorsi. Il surreale della vicenda riesce a conquistare il pubblico che, divertito, quasi parteggia per l’uno o per l’altro degli strampalati personaggi. Inevitabili le liti, gli addii, le crisi isteriche in un susseguirsi di colpi di scena che si accavallano senza mai sovrapporsi, quasi fossero tante piccole storie raccontate frammentate, che poi ritrovano inaspettatamente un senso compiuto.
Una commedia si leggera e divertente ma che fa anche molto pensare, che mette un accento sui rapporti tra uomo e donna, dove ne è un emblema anche la pole dancer, che riesce ad essere un’ottima psicologa trampolata.
Uno spettacolo brillante dove i personaggi sono calibrati e in armonia tra loro, dove si sorride in tutta la prima parte liberandosi anche in grasse risate, grazie a un ritmo serrato. Una pièce che scivola piacevolmente: botta e risposta, pescando nella memoria di ognuno di noi con luoghi comuni che si fanno ironici e coinvolgenti. L’inizio della seconda parte abbandona il tono scanzonato per una veste più impegnata, scricchiolando forse un po’, ma nel finale si ritrovano quella verve e quelle emozioni che rimangono comunque la cifra di uno spettacolo di pregio.
Meglio zitelle sa essere delicato anche quando pungente, come sono le conversazioni tra amiche intime, quelle dove anche le cattiverie hanno un altro valore. Il valore della verità, l’unica strada per ritrovarsi.
È uno squarcio pasoliniano sul male oscuro della nostra società sempre più moralista, e sempre più impegnata a puntare il dito sul lerciume in superficie che nasconde un pericolo assai più grave. È un grido di rabbia di chi conosce la realtà di una vita nascosta. La Silvestri attrice mostra una disinvolta padronanza della scena; è una donna di casa pratica oltre che una madre carezzevole; agile nel dribblare l’eccessivo (ma voluto) mobilio casalingo.
Favola nera con sottofondi comici e scioglimento inaspettato che non riveleremo. Quando apre la valigia del mestiere, ricca di abiti provocanti e seducenti, per la passata disponibilità mercenaria, Silvestri quasi commuove nel tentativo di giustificare un mestiere che è anche apparizione, commedia, travestimento.
La prima cosa che traspare è una forte critica sul nostro modo di trattare la natura. Ma c’è anche un richiamo al mondo dei reietti, perché i nostri cinghiali sono rappresentati con l’aspetto di barboni, delle persone abbandonate agli angoli delle strade, di quelli con problemi mentali o sociali, scansati da tutti per il loro aspetto o per la loro situazione. Ci appaiono come i disagiati della irriverente pellicola “Brutti, sporchi e cattivi” che ai margini della società, vivono una vita dura e opprimente ignorati dalla società.
Vedere a teatro una storia così profonda e divertente ambientata a Roma è alquanto invitante. A conti fatti tutti i messaggi che Veronica Liberale tratta risultano efficaci, dalla guerra alla speranza passando per l’edificazione selvaggia. La guerra, in particolar modo, viene approfondita a tal punto che lo spettacolo non esige nel dare una risposta su come mettere fine al difficile rapporto tra animali ed esseri umani, ma senza ombra di dubbio non potrebbe esistere una convivenza pacifica se entrambe le specie non riescono a convivere tra loro
La commedia è sicuramente ben scritta, vincente. Questi attori hanno saputo sfruttare appieno la sceneggiatura, farla vivere, anzi esplodere coinvolgendo la platea che ha dimostrato di aver oltremodo apprezzato storia e performance.
Confusionari e divertenti, questi cuochi si avvicendano e accavallano forsennatamente tra una scena e l’altra. Insieme intrattengono il pubblico tra risate ed applausi dando vita ad una commedia leggera, frizzante e divertente che gira intorno ad un tema originale per il teatro come quello della cucina, che se è tanto in voga nei programmi televisivi, al contrario non è usuale in teatro.
Lo spettacolo è divertente, incalzante nei ritmi e ricco di sorprese. Temi importanti come l’amicizia, l’occupazione, le aspettative, vengono trattati con ironia senza svilirne la rilevanza, ma mostrandone tutta la complessità e drammaticità. Una storia raccontata con sarcasmo, coinvolgente per il forte messaggio sotteso
Spassoso e leggero, “Il Letto Ovale” ci ricorda, in fin dei conti, la morale di Collodi: le bugie hanno il naso lungo e le gambe corte.Prima o poi la verità esce fuori, ma quante risate prima che lo faccia. Forse anche dopo.
Ci si diverte ininterrottamente con una comicità quasi disarmante giocata sull’equivoco che, alimentato da imprevisti, diventa paradosso. D’effetto la scenografia che riesce a ricostruire sul palco i vari ambienti della casa consentendo, attraverso le molte porte presenti, un frenetico va e vieni dei vari personaggi. Da apprezzare l’impegno profuso da tutti gli attori, ma l’interpretazione della romagnola scrittrice di successo e dell’arredatore dandy, sono assolutamente memorabili. Finale rigorosamente a sorpresa.
Gli attori, tra cui Matteo Vacca, Martina Zuccarello, Claudia Ferri, Elisa Pazi, Eleonora Santini, Walter Del Greco, Eric Bastianelli, Floriana Corlito e Alessandro Bevilacqua, sono stati elogiati per le loro interpretazioni brillanti che hanno portato vita a personaggi che giocano con la propria identità in un vortice di situazioni incalzanti, le cui soluzioni si sveleranno solo nel finale. Un aspetto che ha contribuito al successo dello spettacolo è stata la scenografia ben strutturata che ha permesso al pubblico di immergersi completamente nella trama, aumentando l’immersione e l’esperienza teatrale.
Genuini e disinvolti, Vado e Stalteri personificano un intimo quadretto narrativo con personalità, primeggiando con una puntuale e perfetta dizione. Un solo ambiente scenografico, una stanza, ma non pochi i gesti e i movimenti: i due attori difatti sono abili nel ricreare, con corpo e giusti toni di voce, quel calore confidenziale che, nonostante la lontananza emotiva, si respira in ogni coppia duratura; come caloroso è anche lo scambio dialogico, contraddistinto da battute non ritmicamente e vivacemente farsesche, ma finemente, equilibratamente, umoristiche.
Curata la regia di Nicola Pistoia che non ha voluto contaminare (italianizzare) eccessivamente le figure dei protagonisti. La costruzione della scena, infatti, è coerente con quanto previsto dal testo e da quanto dallo stesso ci si potrebbe attendere. Forse, si poteva osare un po’ di più sulle manie, fragilità e tic dei protagonisti. Commedia godibile. Da parte degli spettatori c’è la necessità di attenzione per percepire le sottili sfumature emotive proposte dal testo e restituite dagli attori.
